彫刻の歴史の中で、両者は東西の筆頭格の彫刻師と言われ、時代は異なれど、その「ものづくりの哲学」は、現代の私たちに多大な影響を与え続けています。運慶は、朝廷が倒れて幕府が誕生し、「貴族から武士」へと権力が移行した鎌倉時代。ミケランジェロは、神という絶対的な権威が弱まり、「神から人」へと個人主義に価値観が転換したルネサンス期。両者に共通するのは、時代の大転換期を象徴する彫刻師であるということです。時代が大きく動く時、芸術の世界では、全く新しい様式が生まれる。日本における鎌倉時代、そして、イタリアにおけるルネサンス期は、その歴史を体現しているのです。

　世界史上稀に見る泰平の世が続いた平安時代。しかし鎌倉時代に入ると、一転して戦の絶えぬ乱世へと突き進みます。特に源平の争乱では、日本初の全国的な内乱となり、人々は明日をも知れぬ命に怯え、来世での救いをひたすら願う日々を過ごしていました。この壮絶な時代に誕生した彫刻師が運慶です。彼の使命は、威厳溢れる仏「仏像」をこの世に出現させ、人々の心に平安と信仰の拠り所を打ち立てることにありました。これまでの日本の仏像は、平和を象徴するかのような穏やかな顔立ちや肉付けが定説でしたが、それに対し運慶の作品は、生々しいほど目力に溢れ、かつ、張り裂けんばかりの力強い肉体美を表現しています。「天下無双の仏がこの世に存在して欲しい」という民衆の願いを形にしたその姿は、これまでの日本の彫刻の世界には類を見ない、まさに時代が切望した美術表現だったのです。

　一方、ルネサンス以前の欧州では、神と教会の権威は絶対的であり、「人生（現世）は苦しみの世界である」と考えられていたため、絵画や彫刻などの美術表現も、キリストは悲しみに顔をゆがめ、マリアは目を伏せるなど、悲壮感に満ちたものばかりでした。しかし、欧州人口の約3分の1が亡くなる、ペストという史上最悪のパンデミックが、神や教会への絶対的な信頼を揺るがします。混迷を極めた社会状況の中、古代における人間中心の社会を目指す「ヒューマニズム」を復興させる風潮が生まれ、「文化を再生（ルネサンス）」していく動きが急速に拡大していきます。そこへ彗星のように現れたのがミケランジェロでした。中世の暗黒時代に終止符を打つべく、肉体美こそが古代ギリシャの神々が創った最高の美であるという哲学のもと、美術表現を静から動へと大転換。彼の彫刻は、「ルネサンス」の象徴として人々に夢と希望を与え、欧州が近代国家としての道を歩み始める大きな原動力となったのです。

　このように歴史の大転換期には時代を象徴する彫刻師たちが出現し、それまでの常識を覆す新たな美術表現によって、民衆の心を強く捉えてきました。しかし、東洋と西洋では、彫刻家としての思想と哲学において決定的な違いがあったのです。運慶は、仏の教えを具象化するために、常に民衆の心に耳を傾けました。そこには、自身の感情を仏像に誇示したり、芸術家としての名声を得たいという欲望は微塵もありません。ただ平穏な社会を願い、一心にノミを振るい彫り続けたのです。一方ミケランジェロは、神からのインスピレーションの純粋性を守るために、民衆の心には一切耳を傾けず、自分は神から与えられた唯一の人物であるとの自己陶酔の極致において、自己表現を最大限に突き詰めた石像製作に全身全霊を捧げました。自己を滅する運慶の「無我」、そして、自己を最大化させるミケランジェロの「自我」。両者共に人間の肉体美を追求しながらも、その根底にある哲学は正反対のものだったのです。

　運慶が活躍した鎌倉時代は、日本彫刻史上最も活力ある時代でした。しかし江戸時代に入り、再び戦の無い泰平の世が続くと、仏像表現も次第に柔和となり、独創的な彫刻の名品が失われた不毛の時代を迎えます。この停滞を打ち破ったのが、明治時代の「文明開花」と共に現れた高村光雲でした。彼が中心となり、これまで対極の思想であった西洋彫刻を積極的に取り入れるという大改革を断行。日本彫刻の風習であった「祈りのための彫刻」から「神から人」へ、創造性や感性を刺激させるアートとしての彫刻へと、その活路を見出したのです。動物や裸体といった、これまでの日本には無かった美術表現は、ジャポニスムとして西洋でも高い評価を受けると同時に、運慶とミケランジェロの思想が、長い時を経て交わる瞬間でもありました。「伝統とは革新の連続」。長い歴史の中で、時代の大転換期ごとに断行された革新が、今日の彫刻の技術と思想を形作っています。彫刻の歴史から「ものづくりの哲学」を学ぶ意義は極めて大きく、世界の至宝である彫刻作品に触れる経験を、令和のものづくりへと昇華させていきたいものです。

　横浜花博は花と緑をテーマに、世界各国の園芸の文化・技術・暮らしを紹介する万博です。横浜は1859年に国際港として開港以来、日本植物の輸出や西洋植物の輸入など、花卉（かき）貿易の先進地としても栄え、日本の園芸文化の礎を築いてきました。花博会場は、2015年に米軍から返還され、長期に渡り土地の利用が制限された上瀬谷通信施設（横浜市瀬谷区・旭区）の広大な跡地を利用します。関東平野としては稀な、豊かな自然環境が広がるその貴重な自然資本を生かすべく開催されるのが横浜花博であり、会期後の跡地は、花博で整備される都市インフラを活用したまちづくりが行われ、花卉産業の礎を築いた横浜に、緑豊かな田園都市が誕生する計画となっています。

　横浜花博の企画について、公表されている情報の中から一部を抜粋すると、季節に応じて何度も世界中の植物が入れ替えられ、世界各国の園芸文化の真髄が至る所で鑑賞できる他、テーマ館では、地球を支える命の根源である植物の真の姿が、最新の映像技術と展示技術で紹介されます。そして、大阪万博のパビリオンなどで使用された建築部材を、横浜花博へ再利用する取り組みが推進され、中でも注目は、「大屋根リング」の木材を再利用する、20階建て木造高層タワーの建築です。いのち輝く未来社会（大阪万博）から、自然と共生する社会（横浜万博）へと理念を繋ぐ意思が込められており、循環社会のあり方を示す、新時代の建築デザインにも期待が集まります。

　日本が公式に初参加した万博は、明治6年(1873年)ウィーン万博です。当時、日本の最先端の技術は、職人技を駆使した精緻な工芸品であり、全国各地の工芸品を中心とした日本製品がセレクトされ、玉川堂（当時玉川堂2代目）も出品しました。ウィーン万博には園芸部門も存在し、日本の盆栽や観葉植物なども高い評価を受けました。中でも注目されたのは、日本の花卉貿易の繁栄にも繋がった日本庭園の美しさでした。日本を代表する庭師や植木職人をウィーン万博会場へ派遣し、半年かけて完成させた日本庭園は、英国庭園・仏国庭園と並ぶ三大庭園として評価され、以降万博には欠かせない存在となり、世界各国の万博会場での造園が習わしとなりました。日本初開催となった1970年大阪万博においても造園が行われ、近代建築パビリオンに注目が集まる中、ひときわ高い存在感を放った日本の造園技術。2024年には、「国登録記念物」として文化財登録され、万博レガシーとして、後世へ受け継がれていくことでしょう。

　万博は最先端の技術のみならず、園芸の技術を披露し、未来社会と自然共生を追求する場です。横浜花博は、その園芸の技術を核としながらも、「花のある暮らし」を豊かにするライフスタイル提案の計画が盛り込まれており、これによって、園芸用品を中心とした全国の地場産業製品にも注目が集まるでしょう。これは、ウィーン万博以降、万博と共に発展してきた工芸業界においても、絶好の好機です。刃物産地における園芸道具のみならず、花瓶や一輪挿しなどの花器は、花と融合することで美を表現する器であり、世界の植物との調和が図れます。横浜花博は、大阪から横浜へと「繋ぐ万博」としての役割が期待されています。日本の経済界で一体感を持ち、日本の技術を世界へ発信する場として、この機会を大いに活用していきたいものです。

　日本におけるアールデコの到来は、1923年（大正12年）関東大震災によって、東京が壊滅的被害を受けたことに起因します。歴史的建造物をはじめとする貴重な文化財が焼失し、廃墟と化した東京。力強く復興への道を歩む中、新しい社会を創り出そうとした日本の若きクリエイターたちにとって、同時期に誕生したアールデコは、今までに無い鮮烈なデザインとして受け止められ、夢と希望に満ちた存在でした。彼らの製作の拠り所となったのは、復興後の近代都市と新しいライフスタイルの誕生でした。こうしてアールデコ様式は、建築・インテリアなどに復興のシンボルとして多用され、東京は着実に復興への道を歩み始めます。

　現存する日本のアールデコの代表作は、1933年（昭和8年）竣工の朝香宮邸（現・東京都庭園美術館）です。本場フランスのアールデコ主要作家がデザイン構成し、日本のエリート建築集団が設計に関わった、まさにアールデコ様式の精華。外観から内部のインテリアに至るまで、アールデコ様式が完全な形で現存する奇跡の館として知られるこの場所は、東京復興への足音や、近代化へ向けた情熱が体感でき、五感が刺激される空間です。また、伊勢丹新宿本店の外装（1933年竣工）と三越日本橋本店の内装（1935年竣工）もアールデコ様式の極みです。もし伊勢丹の外観と三越の内装を組み合わせたら、どんなに素晴らしい百貨店建造物になっていたことかと、両百貨店を訪問する度に呟くほど美しさ。これらの建造物から、私自身、多くのインスピレーションを得ており、アールデコの美意識は時代を超越し、今なお、私たちの感性を刺激し続けているのです。

　建築、インテリアのみならず、私たち工芸業界においても、アールデコは絶大な影響力を与えたデザイン様式です。パリ万国博覧会で出会ったアールデコの美意識に衝撃を受けた日本の工芸家たちは、翌1926年、万博対策として製作した豪華絢爛な装飾を施した「輸出工芸」に見切りを付け、新しい工芸の流れを構築しようと複数の工芸団体を発足させます。こうしてアールデコ様式の作品が次々と誕生することとなったのです。この動きは全国の職人にも波及し、従来の工芸作品には見られない幾何学的な形状や文様が多用されるようになります。陶磁器メーカー・ノリタケ「ノリタケ・アールデコ」は、その代表格と言えるでしょう。玉川堂においても、昭和初期の作品（当時・玉川堂4代目）には、アールデコ様式を意識した花器などが製作され、当時のアールデコが燕の職人にも影響力を発揮したことを、作品から垣間見ることが出来るのです。

　ニューヨークを象徴する高層ビル「クライスラー・ビル（1928年竣工）」と「エンパイアー・ステート・ビル（1931年竣工）」は、アールデコ建築の最高峰です。1920〜30年代に始まった高層建築ブームとアールデコの時期が一致し、世界一を狙う高層建設競争の中、世界の先陣を切ってアールデコ様式が応用されました。ニューヨークの街並みを歩く人たちは、アールデコ様式のファッションやジュエリーを身にまとい、その流行は日本にも伝わり、和服から洋服へと移行する契機となり、銀座の街を歩く若者のステータスとなりました。デザインという概念が浸透していない時代に芽生えたこの「デザインの力」は、世界の人々に夢と希望を与える存在となったのです。アールデコ旋風から100年。その歴史を振り返ることで、デザインの影響力を再認識し、「デザインマインド」を持った社会を構築していくことが、これからの世界経済の発展に必要不可欠な要素になると考えています。

　日本に老舗企業が多い理由として、①戦後の一時期を除き、他国の支配を受けなかった。②日本人の勤勉性。③損得よりも顧客第一主義の国民性。④社員への面倒見が良い（暖簾分けは日本独自の風習）。そして、老舗企業の共通項として、①得意分野を構築し、長い年月をかけ、ひたすら磨き続けてきた。②お客様と長期的に良好な関係を築き、目先の利益は追求しないビジネスモデルを構築。③絶体絶命の状況でも、会社を存続させる強い信念。④自社の発展だけでなく、地域の発展も望む社風が養われている。つまり、社員、お客様、お取引先、そして地域からも、強固な信頼関係を作る「四方」良しの精神が備わっており、老舗企業とは「永く人から愛される存在」であると言えます。

　一方で、足元では老舗企業の倒産や廃業が目立っており、2024年は過去最多となりました。「老舗＝安泰」のイメージは崩れかけており、今、老舗企業の底力が問われています。中でも伝統工芸業界では廃業が深刻で、増加傾向に歯止めが掛かっていない状況です。最盛期の1983年（昭和58年）に約29万人存在した職人数は、現在、約4万人へ。そして、生産高は約5,200億円から約800億円と著しく減少。伝統的工芸品の産地数は全国で244存在し、産地の平均生産額は約3億円。このような状況下、職人の約40％は、年収100万円以下という低所得であることから、事業承継の意思が無いと回答する事業所は約70％も存在します。このような状況が続くと、伝統工芸業界の規模は、より一層縮小され、多くの技術が失われてしまうという危機的状況にあります。

　日本企業の利益の半分は、約4％の大企業が占めており、残りの約96％は中小企業です。星野リゾート・星野代表は、「中小企業の経営手法は洗練されておらず、さらに、ファミリービジネス理論の導入も遅れている。一方で、それだけ伸ばす方法がたくさんあるわけで、いわば原石。中小企業の利益が倍になれば、日本全体で1.5倍となる。」とし、日本経済の成長力は、中小企業の成長にかかっていると指摘しています。中でも特に伝統工芸業界においては、世界有数の技術力に加え、歴史も文化も保有しており、それこそまさに、潜在価値を秘めた原石といえます。そこに経営理論が導入されることで、大きな発展が見込め、私は最も将来性の高い業界の一つであると考えています。

　私は折に触れて、「伝統とは革新の連続」という言葉を用います。老舗企業の本質は「不連続の連続」であり、常に変化し続け、革新を遂げる力です。老舗だから変えられないのではなく、むしろ、老舗であることを理由に変えることが出来、変わらないこと自体がリスクであることを、身を持って体認しているのが老舗企業です。非同族企業における経営者の交代は平均約6年に対し、同族企業の場合は約30年。世代交代の時は一気に若返り、物事を全く違った目線で経営が行えるため、イノベーションの可能性が高まります。老舗企業は、30年周期で襷（たすき）を繋いでいく「駅伝」。その時代に合わせた経営手法で革新を行い、老舗企業の存在価値を高めていくことが、日本経済のみならず、世界経済の発展にも寄与していくものと考えています。

　総務省によると、全国の空き家数は約900万戸、空き家率は約14％ですが、20年後には約25％、４戸に1戸は空き家になると予測され、その中には文化財としての価値を有する建造物も少なくありません。古い建物を解体して新しいホテルを建てるのではなく、地域の歴史や文化を尊重し、既存の建造物をリノベーションすることによって、その街が紡いできた物語を、「生きた文化財」として次世代へ継承することが、アルベルゴ・ディフーゾの基本理念です。日本では2009年、兵庫県丹波篠山市「篠山城下町ホテル・NIPPONIA」が先駆けとなり、以降、全国で地域色を活かしたアルベルゴ・ディフーゾが次々と開業。現在、全国70地域以上、ほとんどの都道府県でアルベルゴ・ディフーゾが存在するほど、勢力を拡大させています。

　宿泊者は、まず分散型ホテルのメイン施設となるレセプションでチェックインを行い、施設だけでなく街の説明も受けます。その後は、まるでその街の住人になったかのように商店街などを散策しながら、空き家を改装した客室へ向かいます。夕食は地元で人気の飲食店で舌鼓を打ち、朝食は昭和の匂いが漂う喫茶店へ。そして、お土産は商店街の和菓子屋で、といったように、宿泊体験そのものが「まちあるき」となり、地域の文化や住民と深く触れることが最大の魅力です。私は、アルベルゴ・ディフーゾの成功事例として特に注目されている、千葉県佐原市と兵庫県丹波篠山市で宿泊したことがありますが、この時の体験に大きな感銘を受け、これからの日本の旅の楽しみ方になると同時に、地場産業活性化としても影響力を発揮すると、確信した次第です。

　街全体で旅行者をもてなす、という考え方は、地域社会に大きな波及効果をもたらします。街の景観美に大きなコストは掛けず、地域社会で残されてきた「ありのままの環境」であることがポイントであり、その街並みの中で、店主や住民との何気ない会話が生まれ、旅行者は「お客様」ではなく、「街の住人」のような感覚を味わうことが出来ます。「暮らすように旅をする」という、この程よい距離感が、アルベルゴ・ディフーゾの最大の魅力と言えるでしょう。また、地域における宿泊施設は限定されるため「オーバー・ツーリズム」は起こりにくく、また、地域住民が旅行者を受け入れる意識を高めることで、旅行者もマナーや節度を持った責任ある観光「レスポンシブル・ツーリズム」にも繋がっていきます。

　現在のアルベルゴ・ディフーゾは、商店街を中心とした商業地域が中心ですが、これからは、町工場が点在する工業地域、中でも伝統工芸業界においては、空き家となっている伝統工芸の工房の活用が期待されます。昭和50年代、全国で約30万人存在した伝統工芸の職人は、現在約4万人と大幅に減少しており、空き家となっている全国の伝統工芸の工房の多くは、手付かずの状態と言われています。その活用方法としては、例えば内装で各地域の工芸素材を活かして地域色を演出し、宿泊施設だけでなく、体験工房やショップなどにもリノベーションするなど、付加価値の創出の可能性を秘めた伝統工芸の空き工房は、日本の宝のように思えてなりません。全国、どの地域にもアルベルゴ・ディフーゾの活用方法は、必ずあるはずです。こうした活用方法についての議論がさらに深まり、空き家を「生きた文化財」として、後世に活かしていく社会を目指していきたいものです。

　ものづくりの現場である工場を観光資源とする「産業観光」は、欧米において100年以上前から行われており、フランス・ワイン醸造所、オランダ・チーズ工場、ギリシャ・レース編み工場などが代表格として挙げられます。中でもフランス・ワイン醸造所には、世界中のワイン愛好家が足繁く通い、生産者と顧客が交流を深めながら、品質を高めてきた歴史があります。1950年、フランスが国家戦略として、産業観光の受け入れ態勢の整備を強化させると、ワイナリー巡りはフランス観光の柱へと成長。オーベルジュ（宿泊付のレストラン）の運営を始めるワイン生産者も増え、産業観光のおもてなし体制は、世界的好事例として特筆すべきものがあります。15年前、私も実際にフランスのワイナリーやオーベルジュでワイン生産者と交流を持ちましたが、この経験によって産業観光に目覚め、燕三条でも活かしたいとの思いを強くした契機となりました。

　日本において「産業観光」の名称が使用された時期は不明ですが、1964年（昭和39年）発行の「第1回・観光白書」には、「工場の紹介は、産業観光の名で知られている」と表記されていることから、少なくとも1964年以前より、産業観光の名称が使用されていたことになります。1966年（昭和41年）、運輸省が発行した「産業観光施設要覧」には、「工場を新しい観光対象とする」と表記され、工場見学を受け入れる全国328社が紹介されていますが、認知度は低いものでした。産業観光が行政や企業の取り組みとして本格的に動き出したのは1990年代からで、その情勢の高まりを受けて、「全国産業観光フォーラム」が2001年（平成13年）から毎年開催されています。公害のイメージから「観光不毛の地」と言われた川崎市は、2005年に「川崎産業観光推進協議会」を発足。一般向けの工場見学を積極的に行い、産業観光の必要性を全国に広めた事例の一つとして挙げられます。

　2008年10月、観光庁が発足し、「産業観光」は国策として位置付けられたことから、全国の行政で具体的な取り組みが検討され、この頃から一般的に全国で産業観光の意識が芽生え始めました。そして、企業単独ではなく地域内の企業が面として集まり、工場見学を行う地域一体型の産業観光イベントが各地で開催されたのです。2011年の東京都台東区「台東モノマチ」を皮切りに、2012年には東京都大田区「おおたオープンファクトリー」、東京都墨田区「スミファ」、富山県高岡市「高岡クラフトツーリズモ」、翌2013年には東京都台東区「浅草エーラウンド」、新潟県三条市・燕市「燕三条工場の祭典」などが先駆けとなり、現在、全国約80地域でこのような産業観光型のイベントが開催されています。開催最多の都道府県は、大阪府の11地域、次いで東京都の10地域、神奈川県と兵庫県の6地域と続き、開催地域は年々増加傾向にあり、産業観光イベントは地場産業の潮流となっています。

　約15年前、新潟県三条市の金属加工メーカーが「オープンファクトリー」という言葉を発案し、以降、自然発生的に広まっていき、「工場見学」に代わる言葉として定着しつつあります。そして今年10月、20〜30代の若手経営者が運営する「燕三条工場の祭典」実行委員会が主催した燕三条工場サミットにおいて、「産業観光」に代わる新しい用語として「メーカースケープ」を発表しました。ものづくりをする人々（メーカー）が創り出す、唯一無二の風景（スケープ）という意味です。産業観光の今後のあり方として、工場を見学するだけでなく、地域の食や宿泊などを組み合わせ、地場の様々な産業が「競争」から「共創」へと連携する、新たなまちづくりの構築が必要不可欠となりました。「ツーリズム」が意味するところの「非日常」、そして「観光」が意味する「観て学ぶ」体験が、工場にはあります。さらに「観る側」だけではなく「観られる側」にとっても、そこにある価値、ランドスケープを新たな目線で見つめ直す新鮮な体験が「産業観光」にはあり、それこそが地場産業の未来に繋がる芽となるはずです。「工場を開く」ことで拓ける地場産業の新時代。全国の全ての地場産業で産業観光を推進させ、共創社会によって地方創生を前進させていきたいものです。

　和紅茶の生産増加の背景には、緑茶産業の需要の変化があります。家庭用に販売される茶葉の販売は衰退の一途を辿る一方で、ペットボトル飲料に使用される業務用の茶葉の需要は増加しており、今後も安定した需要が見込めます。しかし、ペットボトル飲料用の茶葉は、年間を通し安定した作業が確保できるものの、納入価格は安価であり、大量生産・大量消費型のビジネスに将来的な不安を抱く茶農家は少なくありません。そこで茶産業の原点であり日本の伝統文化でもある、「急須でお茶を淹れる」需要を取り込むべく、和紅茶に一筋の光を見出したのです。

　緑茶も和紅茶も、原材料となる茶葉は全て「チャノキ（ツバキ科）」の新芽を使用しており、緑茶と紅茶の違いは、「発酵の有無」にあります。緑茶は発酵させない「不発酵」のため、茶葉の鮮やかな緑色が残るお茶に仕上がります。一方、紅茶は十分に発酵させる「完全発酵」のため、茶葉は深い赤みを帯び、お茶も同様の色合いに仕上がります。和紅茶の場合、日本が開発した紅茶用の品種「べにふうき」を使用することが一般的ですが、近年は、緑茶向けの品種「やぶきた」を使用して、高品質な紅茶を生産する技術も向上しており、和紅茶の味わいはバラエティーに富んでいます。

　「身土不二（しんどふじ）」。人間の身体と人間が暮らす土地は一体であるという意味で、紅茶も風土やそこで暮らす人々に適した茶葉が生産されます。世界最大の紅茶生産国はインドですが、熱帯地方の強い日差しを浴びることでタンニンが多く含まれることから、インド産の紅茶は渋みや香りが強く、インパクトある味わいが特徴です。砂糖やミルクを混ぜて飲むことが一般的で、スパイスの効いた料理と相性が良くなります。一方、和紅茶は、日本の穏やかな気候風土の中で育つため、タンニンは比較的少なく、渋みの少ない甘い香りと優しい味わいが特徴で、ストレートで飲むことが一般的です。デザートはもちろんのこと、出汁の効いた和食にも良く合います。最近は、和食のお店でも和紅茶を楽しめるお店が増え、ペアリングの定番として定着しつつあります。

　コーヒーを楽しむ方の7割が男性に対し、紅茶を楽しむ方の7割が女性という統計があります。コロナ禍の影響で、自宅で過ごす時間を大切にする風潮が生まれたことから、和紅茶を淹れるための道具の需要も高まり、伝統工芸業界においても様々な素材や形状のティーポットが開発されています。コーヒーは食後に楽しむ傾向に対し、和紅茶は食後だけでなく食事中にも楽しめ、食とのペアリングに適したお茶です。栗や南瓜など日本の秋の味覚には、和紅茶とのペアリングがピッタリで、特にお勧めの季節となります。ティーポットで和紅茶を淹れ、秋の季節の移ろいを秋の味覚と共に楽しんではいかがでしょうか。日本茶の概念がきっと変わるはずです。

　グランドツアーがイギリスで発展した背景には、植民地拡大による政治や教育の低下や、ルネサンス運動の流れに乗れず、芸術文化が未発達であったことが挙げられます。そのような社会状況下、国としては自国の大学で学ぶよりも、フランスやイタリアなど、芸術先進国を訪問することで見識や美意識を磨き、将来、自国の指導者として活躍する人材を育てるという思惑がありました。長期に渡る旅には、チューターと呼ばれる家庭教師が同伴し、名所旧跡などの訪問のほか、現地の貴族や学者の指導など、実地での英才教育が為されたのです。

　グランドツアーを実施する中で生まれた新しい美意識のことを「ピクチャレスク」と言い、「絵画のように美しい」ということを意味します。イギリスの青年たちは、イタリアのアルプス山脈を筆頭に、旅先で出会った雄大な景色から感涙するほどの衝撃を受けました。その景色を絵画として残したいという思いから、風景画を描く風習が生まれたのです。西洋美術においては、歴史画のジャンルの中で風景画の発展はあったものの、風景をその場で描写する風習は無く、それまで見向きもされなかった題材でした。その後、イギリスの画家を中心に風景画が大流行し、西洋美術の新たなジャンルとして定着していきます。また、この風景画が契機となり、絶景を紹介する旅行ガイドブックも発行され、現在の旅行ガイドブックの礎にもなりました。

　風景画に端を発したピクチャレスクは人々に広がり、その雄大な自然美を、日常の風景にも求めるようになり、「イギリス式庭園（イングリッシュガーデン）」が誕生しました。左右対称で人工的整形が特徴の「フランス式庭園」とは一線を画し、四季折々の草花を育て、雑草は全て刈り取らず、自然との共生を大切にすることが特徴で、バラを栽培したり、ハーブを摘んだりと、変わりゆく自然の美しさを楽しむ風潮が生まれました。さらに、この時期に発展したのが、銀器とアフタヌーンティーです。銀器には、グランドツアーの影響によってイギリスで発展した芸術様式「ジョージアン様式（ジョージアン・スタイル）」が採用されました。この様式は、銀器職人による卓越した技術のみならず、美意識の高いデザインも秀逸で、文化的に出遅れていた島国のイギリスが、ようやくスポットライトを浴び始めたのです。

　「発想力は移動距離に比例する」という言葉を、私は常々発しています。観光の原点であるグランドツアーを見直し、様々な文化とそこで暮らす人々に触れることの大切さが、この言葉に込められているからです。グランドツアーの帰国後、イギリスの青年たちが担った社会的影響は特筆すべきものがあり、さらに、産業革命によって鉄道が開発され、欧州で鉄道網が広がっていくと、中流階層の青年たちも旅行をするようになり、その知見はイギリス経済にさらに大きな波及効果をもたらしました。現在、パスポート所持率世界一はイギリスの86％。一方、日本は17％で、隣国の台湾60％と比較しても、所有率の低さは際立っています。インバウンド政策は即効性が高く、短期間で日本経済を加速させますが、日本の弱点であるアウトバンド政策には、より強力な施策と国家予算を組み、長期的視野に立って日本経済を俯瞰していきたいものです。

　人間国宝制度の契機となった出来事は、1949年（昭和24年）、奈良県斑鳩町の世界最古級の木造建築・法隆寺金堂の火災です。約1300年前から伝わるアジア仏教を代表する十二面壁画を焼失したこの火災は、日本のみならず世界中に大きな衝撃を与え、「法隆寺を焼くような国は、文化国家とは言えない」と、厳しい批判を受けました。そこで翌1950年、国は従来の国宝保存法などの法律を見直し、新たに「有形文化財」「無形文化財」などの文化財保護法を制定。さらに1954年改正時に重要無形文化財保持者、いわゆる人間国宝の認定制度が始まりました。伝統工芸や芸能など、無形文化を担う人々を認定する特殊な制度は、世界でも高い評価を受け、国によって形は異なるものの、フランス・中国・韓国などでも同様の制度が設けられました。

　文化庁はこの度、人間国宝の制度を約50年ぶりに見直し、対象分野である「工芸技術」と「芸能（能・歌舞伎など）」に、新たに「生活文化」を加え、料理人や杜氏といった日本の食文化の担い手も、人間国宝に認定する方針を発表しました。「和食」や「伝統的酒造り」がユネスコの無形文化遺産に登録され、さらにはインバウンドの増加も後押しとなって、日本の食文化は世界中から注目を集めています。一方で、生活様式の変化や過疎化、担い手不足などにより、郷土料理や地酒といった地域の伝統食の中には、存続の危機に直面しているものも見受けられます。生活文化の分野における人間国宝制度の導入は、後継者育成に大きな役割を果たし、日本が誇る食文化の継承発展のための方策として期待できます。

　2010年（平成22年）、玉川堂6代目玉川政男の実弟・玉川宣夫は、新潟県では制定以来5人目、燕三条では初めて「重要無形文化財保持者（鍛金）」に認定されました。座右の銘は「千日の稽古を鍛とし、万日の稽古を錬とす」。千日（3年）かけて心構えを学び、万日（30年）かけて技を磨いていくという意です。宣夫は事実、この格言の倍の60年以上に渡り、ひたすら銅を打ち続けてきており、それだけに日々精進の大切さは誰よりも熟知しています。玉川堂の職人に対しては「一生続ける覚悟で銅を打つこと」と初心を貫く大切さを説き、「親戚全員分のヤカンを作れ」が口癖で、そこには、玉川堂の技術が凝縮されたヤカンを作り続けることによって鎚起銅器の技術を磨いて欲しいというメッセージが込められています。この言葉を受け継いだ玉川堂の職人たちは、終業後に開放された工場で日々、鍛錬の鎚音を響かせています。

　「人間は繰り返し行なっている行動により作られる。優秀さは行動ではなく、習慣によるものである（アリストテレス）」。「私は賢いわけではない。人より長く一つの事と向き合っているだけである（アインシュタイン）」。継続することの大切さを説いた格言ですが、人間国宝に共通する哲学として、継続することよって育まれる美への意識が重要な要素となっています。日本刀の人間国宝・隅谷正峯氏（故人）は、「刃は作り手の品性から生まれる」とし、「美意識を研ぐ」ことの重要性を説きました。彼は、日本刀の最高傑作は14世紀の鎌倉時代であるとし、「高い人間力が備わっていないと、この刃は作れない」と、技術力だけでは成し得ない、刃から滲み出る人間としての品性の高さを賞賛しています。「万日の稽古を錬とす」の錬とは、心身を鍛え上げ、万日（30年）のその先に会得し得る美意識をさらに磨き上げていくこと。人間国宝の生き方には、日本文化を後世へ継承するための本質が伏在しており、その生き方とは、未だ会得し得ぬ美意識を求めて、繰り返し自らの生き方を問い続けることであると思っております。

　「芸術と技術の統一」。バウハウスはこの言葉を教育理念とし、1919年にドイツで設立された国立の美術学校です。「全ての造形活動の最終目標は建築である」という考え方のもと、様々な造形活動を建築のもとに総合させる教育を実施し、建築・工芸・絵画・写真などの専門分野を学ぶ生徒に、同じ教室で同じ教育を受けさせ、総合的なデザイン教育を学べる場を創生したのです。このように専門分野の垣根を無くし、それぞれの専門性を学ぶことで、ものづくりの本質を見極め、芸術を「産業」として捉えることを目指したのです。100年前の教育としては画期的なことであり、バウハウスの存在によって「デザイン」という概念が明確化され、その重要性が認識される契機にもなりました。

　「Form follows function（形状は機能に従う）」「Less is more（より少ないことは、より豊かなこと）」。バウハウスの教育で重視されたのは、「機能美」と「引き算のデザイン」です。それは机上の空想から生まれる形ではなく、人間の豊かな生活を追求した結果として生まれる必然的な形。つまり、本当に必要なものだけを残すという引き算のデザインを大切にし、取り除くものが無くなった本質のみを表現することで、普遍的なデザインが生まれるという考え方です。日本人は、バウハウスの精神に共感する傾向が強いとされますが、そこには「茶の湯」の精神との共通項が見出せます。茶室の空間・形状・色彩など、装飾性どころか美をも削ぎ落とし、削ぎ落とした末に何が残るか。日本とドイツの両国は老舗企業が多く、工芸の盛んな国ですが、そこには、バウハウスと茶の湯の美意識が、国民の感性に根付いていることも一因と考えています。

　バウハウスは、産業革命の大量生産社会に反発し、手仕事の重要性を説いたアーツ・アンド・クラフツ運動の流れを汲んでいます。しかし、この運動と異なるのは、機械化大量生産を真っ向から否定するのではなく、「デザインの視点」を取り入れ、規格品として大量生産されても、匠の手業のごとく高い品質を目指すことでした。つまり、芸術家としての感性、エンジニアとしての感性など、個々人の多様な感性を受け入れ、そして融合させ、地球にも人間にも負荷の掛からない、「持続可能な社会」を構築するためのものづくりを指しているのです。これはまさに、大阪関西万博の理念と共鳴しており、それが各国のパビリオンの建築にも表現されています。

　日本の木造建築は、1300年以上継承されてきた世界最古の歴史があり、その伝統技法と最新技術を融合して建築したのが、大阪関西万博の象徴「大屋根リング」です。持続可能な社会へ向け、世界の建築業界において木造による建築が推進されている最中、この大屋根リングを世界へ向けて発信することは、木造建築の新時代へ向けた歴史の転換点と成り得ます。あくまで個人的な見解ですが、万博の建築で最もバウハウスの精神を感じたのが、大屋根リングでした。天候にも恵まれ、沈む夕陽を眺めながら大屋根リングの屋上を一周し、100年前に生まれたデザインの源流・バウハウスのものづくりの精神が、今、この万博会場でも花開いたのを目にし、そして100年後の万博に想いを馳せる。今回の万博は、各国パビリオンの展示と合わせて建築にも注目が集まっています。これを機に改めて今、「バウハウス」の精神を見つめ直し、100年後のものづくりのあり方を考える万博にしていきたいものです。